En las redes sociales (o antisociales) circula un meme
muy popular que dice: Es viernes y tu cuerpo lo sabe. Podríamos parafrasearlo y
poner: Hay una nueva película de Wes Anderson y tu cinefilia lo sabe. De entre
toda la amplia oferta de estrenos que van de una historia muy anterior de Han
Solo, a una interlocutora de la Virgen María, pasando por hombres argentinos
puestos a prueba y adorables alienígenas que le cambian la vida a un chico
solitario, los Andersianos sabemos qué veremos primero (y segundo y tercero) en
este fin de semana largo: Isla de perros.
Los Andersianos somos una banda amable, aunque si
alguien nos pregunta ¿cuál era Wes Anderson?, no nos dignamos responder,
nuestro ocasional interlocutor no merece pertenecer a la banda. Wes Anderson
lleva más de 20 años (22 para ser precisos) dando películas en el circuito
comercial, de modo que quien nos pregunta ya visto más de un Anderson y si no
le ha alcanzado para convertirse en un Andersoniano, nuestra prédica es inútil
y hasta redundante.
Anderson tiene una manera única de contar y hacer
imágenes (es tan peculiar que bastan un par de fotogramas para que cualquiera
levante el dedo y señale con un es un Anderson). No he visto esta todavía,
cuento las horas para hacerlo, y ya la recomiendo. No porque venga procedida de
elogios prodigados por los que la vieron (hasta sus detractores la celebran)
sino porque no hay Anderson que no merezca ser visto (del mismo modo que no hay
Bergman, Kurosawa, De Sica, Truffaut, Fosse, o el maestro que sigas, que no
merezca ser visto). Ojo, siempre se puede ser un Andersoniano, eso sí, no
esperes que te convenzamos. El amor es como la fe, da envidia tenerlo, pero no
es contagioso, se da o no se da.
El
cine de Alejandro González Iñárritu siempre me tuvo sin cuidado. Mientras todos
sacaban las liras para construir desmelenados panegíricos por sus Amores perros (2000), permanecí incólume
porque para mí el “verosímil” de las historias, más allá de los fuegos artificiales
narrativos,no cerraban ni ahí. Después
llegaron los 21 gramos (2003)
artefacto largo y tedioso que desataba un módico interés por la trampa de una
escena que se perfilaba, pero nunca terminaba de mostrarse del todo para poder
ser descifrada. Y después vino Babel
(2006) y algunos críticos, que antes tiraban cohetes, comenzaron a darse cuenta
de que quizá habían sido víctimas de un entusiasmo prematuro. En lo personal
debo confesar que me pareció un bodrio bodrioso de toda bodriez, cuanto más
“ambicioso” se ponía, más largo y aburrido me parecía. Todavía procuro
recuperarme de sus 143 (¡ciento cuarenta y tres!) minutos. Se separó entonces
del hasta ese instante su fidelísimo guionista, Guillermo Arriaga, y todos
especularon sobre quién se quedaría con el “estilo” de las películas que habían
hecho juntos, sobre si eran más de “director” o de “guionista”. Por lo antes
dicho, estas especulaciones no solo no me quitaron el sueño, sino que no creo
ni haberlas registrado. Arriaga fue el primero en salir al ruedo sin su exsocio.
En el 2005, cuando todavía duraba el dúo,había firmado el impecable guión de Los
tres entierros de Melquíades Estrada para que lo dirigiera también
impecablemente Tommy Lee Jones. Ya solito y solo, adaptó su propia novela El búfalo de la noche (2007) para un
film que dirigió Jorge Hernández Aldana y que la crítica cascoteó con gusto. En
el 2008 Arriaga debutó como director y guionista, of course, con Camino
a la redención (The burning plain)
para gloria de la siempre gloriosa Charlize Theron. Los críticos, quemados por
las experiencias anteriores, fueron diplomáticamente cautos. González Iñárritu
tardó un poco más en asomar la cabeza. Lo hizo recién en 2010 con Biutiful, basado en un guión cofirmado
con los argentinos Nicolás Giacobone y Armado Bo (responsables guionistas de la
bellísima El último Elvis, que
dirigió en 2012 el segundo o sea Armando Bo, nieto del Armando de la diosa
Isabel). Volviendo a Biutiful ni me
molesté en verlo, duraba 148 minutos y todavía no me reponía del aburrimiento
que me había dejado Babel y sus ¡143!
minutos. Los críticos tampoco apoyaron mucho, ya le habían perdido el respeto
(bah, la reverencia inicial) y se despacharon con saña. ¡Pobre Iñárritu, que
culpa tenía él de que lo hubieran endiosado atribuyéndole la invención de la
rueda y de la pólvora (que como todos sabemos ya fueron descubiertas, antes…)!
Birdman (o La inesperada virtud de la ignorancia) es, en el fondo, la historia de dos regresos a los
primeros planos: el del personaje de Michael Keaton en la película y el de
Iñárritu en la vida real. Admito que esta vez su película me gustó… mucho. Quizá
porque es lo más parecido a una comedia que puede plantear Iñárritu (nada apoca
mejor la solemnidad, la pedantería, la pomposidad que el humor) y porque se
adentra en las bambalinas de una producción teatral, lo que siempre me apasiona
(hice poco cine pero mucho teatro y llevo en los huesos los desvelos y fatigas
de un estreno).
Riggan
Thompson (Michael Keaton) es un actor famoso por haber interpretado en años más
jóvenes al superhéroe Birdman. Quiere aquilatar su nombre y sepredispone a debutar en Broadway con una
adaptación suya de un cuento de Raymond Carver, De qué hablamos cuando hablamos de amor, que también protagoniza y
dirige. Ha puesto todo su dinero y el de su amigo Jake (Zach Galifianakis) en
la empresa, de modo que la apuesta es a ganar o morir. Estamos en las funciones
de preestrenos (ensayos generales con público, que paga una entrada reducida,
porque verá un espectáculo que aun no está listo) y hay unos cuantos problemas
a resolver, no el menor de ellos, un actor coprotagonista que todavía no halla
el tono ni la intención de su personaje. Para colmo, las relaciones personales
tampoco andan de maravillas, y hay que lidiar con la nueva pareja, la expareja
y una hija en recuperaciones varias.
Se
sabe porque se comentó hasta el hartazgo, el film está resuelto en una sucesión
de planos secuencias o sea las escenas se rodaron en una sola toma de cámara,
sin cortes, sin plano, contraplano y esas cosas. Esta vez el artificio es
pertinente, no la jactancia de un director, y comunica con inmediatez el
vértigo, la solapada desesperación, la sensación de caminar por un campo minado
que despierta todo estreno inminente. Y la banda de sonido, se comentó mucho
también, es prácticamente casi todo el tiempo un solo de batería.
Como
no tengo mala memoria, todavía, no me sorprende que Michael Keaton actúe bien,
siempre fue un buen actor, desde un principio, y si lleva años, muchos, sin
hallar un papel que explote sus virtudes no es impedimento para que cuando lo
encuentre, como en este caso, lo honre. Como en toda película de planos
secuencias, el elenco debe estar alerta, concentrado, solidario, más que nunca,
un error no es, en este caso, solo repetir la toma del yerro cometido, sino
volver a empezar todo de nuevo, otra vez, con la participación de todos los que
intervienen en la toma. (O sea, meter la pata es cagarles el trabajo a todos
los que venían antes que vos y que ya lo hicieron bien). Cuando finalmente se
logra, hay una fluidez y cohesión distintas a las habituales. En el excelente
reparto, están tres de mis actrices favoritas, de modo que yo estaba de fiesta:
Naomi Watts, Emma Stone y Andrea Riseborough. Entre los caballeros, aparte de
los ya nombrados, se destaca un audaz Edward Norton que camina por la cornisa
de la sobreactuación sin caer en el abismo.
En resumen, vengo a contramano con don Alejandro
González Iñárritu, cuando los críticos locales le tiraban flores, yo fruncía el
seño y proclamaba disconformidad, ahora ellos, por las dudas se arrepientan
después, como ya lo hicieron antes, lo tratan con dureza y le rechazan hasta el
saludo, mientras yo disfruto de su obra e invito a que otros lo hagan. En algún
momento quizá nuestros caminos confluyan. O no.
A propósito de sus 9 nominaciones para los Óscars, se ha reestrenado El gran hotel Budapest. Una de las mejores películas de 2014. Bah, de cualquier año, así de indiscutiblemente buena es. Les dejo el link de cuando hicimos la crónica de su estreno. http://cronicas-de-cine.blogspot.com.ar/2014/03/el-gran-hotel-budapest.html Si no la han visto todavía, aprovechen esta oportunidad de verla en el cine (las buenas películas son incluso mejores en un cine). Va en el Cinema Paradiso a las 14:10 y a las 18:30 hs.
Wes
Anderson (Bottle rocket o Buscando el crimen, Rushmore o Tres son multitud,
Los excéntricos Tenembaums, Vida Acuática o The Life Aquatic with Steve Zissou, Viaje a Darjeeling, El
fantástico Sr. Zorro, Moonrise
Kingdom o Un reino bajo la luna) vuelve
a las Andersoniadas para deleite de todos sus seguidores, entre los que me
cuento con orgullo. Esta vez hasta sus detractores (¿qué creador no los tiene?)
atenuaron su virulencia y se permitieron disfrutar un poco. Y eso que estamos
ante un Anderson en estado puro, tan puro que las características que lo
definen parecen exacerbadas. Sus travellings corren, no veloces, velocísimos;
sus encuadres preciosistas son, si cabe, más perfectos que nunca; su exquisita
dirección de arte alcanza cumbres insospechadas; su visión se encierra, como
acostumbra, en una deliciosa artificiosidad y sus personajes siguen inmersos en
una realidad tan poética como disparatada. ¿Qué ha cambiado para que hasta los
que ayer lo criticaban caigan rendidos (apenas y a regañadientes) ante su
innegable talento? Para empezar, como él mismo admite, hay “argumento” en el
sentido más tradicional del término, para continuar regresa al epicentro claro
de mentor/discípulo que tan bien le funcionara en Rushmore; que en su juego de comedia hay aquí más optimismo que
melancolía, y para terminar no olvidar
mencionar el más evidente de todos los motivos posibles: habría que ser enemigo
del cine para no dejarse seducir por un mundo tan arrebatador y riguroso.
El
inenarrable argumento (por lo adorablemente intrincado y porque esas cosas no
se cuentan para no arruinar sorpresas) se basa en escritos de Stefan Zweig y
parte del recuerdo del esplendor del Gran Hotel Budapest situado en un país
imaginario del oriente europeo en los años treinta antes de que llegara la
devastación de la segunda guerra mundial. En este monumental hotel, su
conserje, Monsieur Gustave (Ralph Fiennes) forma, educa, moldea al nuevo
botones, Cero (Tony Revolori). Una acusación falsa los llevará a vivir
aventuras regocijantes (para el público, peligrosas para ellos). La historia
arranca con un clarísimo juego de cajas chinas o de muñecas rusas en que cada
narrador se funde en el siguiente, todos celebrarán la personalidad de Gustave,
un dandy que se las trae, un don nadie con pose de aristócrata que sostiene la
ilusión de una forma de vivir que, tal como se aclara por ahí, ni siquiera
existía cuando él reinaba en el hotel.
Cuando
se recrean los treinta la pantalla se achica al tamaño de las películas de
aquella época y se homenajea la punzante ligereza de los films de Ernst
Lubitsch (confesión de Anderson). (Y quien esto escribe, por haber sido en
algún momento de su vida estudioso del estilo de Noël Coward, no pudo dejar de
notar similitudes en la construcción de réplicas con el comediógrafo inglés, en
el fondo todo queda en familia: Lubitsch llevó al cine un par de obras de
Coward).
El
elenco es apabullante: F. Murray Abraham, Mathieu Amalric, Bob Balaban, Adrien
Brody, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Harvey Keitel, Jude Law, Bill Murray,
Edward Norton, Saoirse Ronan, Jason Schwartzman, Léa Seydoux, Tilda Swinton,
Tom Wilkinson y Owen Wilson. En pequeñas (o no tanto) refulgentes apariciones,
todos suman a la magnificencia del espectáculo, ah,y la hermosa música de Alexander Desplat es
otro personaje más. (Consejo vean hasta el último de los títulos finales y
disfruten de Kamarinskaya, canción tradicional rusa, primero arreglada por
Vitaly Gnutov y después por Alexandre Desplat, no se levanten hasta que el
cosaquito deje de bailar, que hay un bis).
En
resumen, El gran hotel de Budapest es
un gran festín de gran creatividad del gran Wes Anderson; en tiempos de
maestros escasos y secos al tercer o cuarto proyecto, no se trata de
desperdiciar oportunidades únicas: si se la pierden, después no digan que no
avisamos.
Con Moonrise Kingdom – Un reino bajo la luna, Wes Anderson se gana el derecho al adjetivo. Tal como en algún momento de sus carreras, Visconti, Fellini o Bergman se ganaron el derecho a que aspectos de su cine se definieran como Viscontianos, Fellinianos o Bergmanianos. Ya hay un cine Andersoniano que se reconoce al primer fotograma. Los tableaux (la distribución de los personajes como si estuvieran en un cuadro), la consistente paleta de colores o tramas (la escenografía y el vestuario presentan matices de un mismo color o de colores hermanos que se engarzan con patrones afines), el humor asordinado, implosivo casi, la aparente distancia emotiva de los conflictos que más que vivirse en carne viva lucen como la recreación de un viejo dolor. Y los personajes. Únicos. Seres desencantados, frustrados, un poco deprimidos pero con un resto de voluntad para intentar una peripecia que los rescate.
Si han visto alguna de sus películas (Bottle Rocket (Buscando el crimen, 1996), Rushmore (Tres son multitud, 1998), The Royal Tenenbaums (Los excéntricos Tenenbaums, 2001), Vida acuática, 2004 y Viaje a Darjeeling, 2007) tienen ya una idea clara de lo que hablo.
Moonrise Kingdom – Un reino bajo la luna transcurre en la isla imaginaria de Penzance en 1965. Y como el título sugiere hay algo de cuento para chicos. Las fugas de dos preadolescentes motorizan el relato. Sam (Jared Gilman) huye de un campamento de scouts y Suzy (Kara Hayward) se escapa de la casa de sus padres (el inmenso Bill Murray y la no menos grande Frances McDormand). Y no cuento más para no arruinarles el gusto de descubrir lo que sigue. Básteme decir que habrá epifanías del primer amor y que como siempre en Anderson, los adultos son como niños y los niños como adultos.
A las singularidades de la puesta en escena, se le suma una bella partitura de Alexander Desplat, con obras de Benjamin Britten como invitadas de lujo. Y el elenco es maravilloso. Del primer niño al último adulto prodigan expresividad. A los mencionados, hay que agregar a Edward Norton, Tilda Swinton, Jason Schwartzman, Harvey Keitel, Bob Balaban, y dejo para el final a mi favorito en ésta y en tantas otras películas: Bruce Willis, que ratifica ¿alguien acaso lo duda? ser un gran actor.
Faltaría a la verdad si no dijera que es una de las películas más hermosas y elegantes que vi en mi vida. Perdonen mi arrebato de entusiasmo, pero es una de las mejores películas que veremos este año. Si no han tenido la dicha de ver alguna de sus películas anteriores (hasta la menos lograda libera endorfinas) Moonrise Kingdom – Un reino bajo la luna es la introducción perfecta a una visión del mundo que de ahora en más sólo puede calificarse de Andersoniana.
