¡Por fin! Durante décadas esta película fue la equivalencia
de la figurita más difícil del álbum. Quizá porque ya era un seguidor
incondicional de Alfredo Alcón, aunque fuera algo muy tangencial en el
maremágnum que era por entonces mi vida, me quedó en la memoria la noticia de
cuando viajó a España a filmarla y hasta recuerdo una foto de una pausa del
rodaje, en la que se los ve a él y a Analía Gadé, de hábitos, en un paisaje
helado, tanto frío haría que estaban parados sobre unos cajones de madera para
no pisar el piso.
La película se estrenó en España el 29 de septiembre de
1978, así que debe haberse filmado en el 77 o a principios del 78. Por
supuesto, aquí no se estrenó. La dictadura nos dominaba y una historia de amor
entre dos religiosos no formaban parte del canon que propiciaban.
Cuando la dictadura se cayó y con ella la censura, esta
película no figuró en la catarata de títulos que había sido prohibidos y que se
estrenaban tarde, mal y a montones.
No reapareció en el auge del video y cuando llegó internet apenas
si había rastros de ella. En mi curiosidad hasta llegué a preguntar en un sitio
dedicado a las películas de la actriz Teresa Gimpera, que estaba en algunas escenas
con Analía Gadé, si sabían si se encontraba una copia por algún lado. Me
contestaron que también la buscaban sin suerte.
Y de repente, como de la nada, apareció. ¡Bienvenida!
Se trata de Cartas de amor de una monja (1978) de
Jorge Grau. Un señor muy prolífico que entre muchas otras dirigió Noche de
verano (1963), El espontáneo (1964), Acteón (1965), Una
historia de amor (1967), Tuset Street (1968), Historia de una
chica sola (1969), Chicas de club (1970), Ceremonia sangrienta
(1973), Pena de muerte (1974), No profanar el sueño de los muertos
(1974), La trastienda (1976), El secreto inconfesable de un niño bien
(1976), La siesta (1976), La leyenda del tambor (1981), Coto
de caza (1983), Muñecas de trapo (1984), El extranger Oh! de la
calle Cruz del Sur (1987), La puñalada (1990) y Tiempos mejores
(1995)
De todas ellas, la que recuerdo haber visto es Tuset
Street, en la que una Sarita Montiel, escasamente vestida, deambulaba por
ambientes muy psicodélicos. Un melodrama en el que un niño rico apostaba que
podía seducir a una vedette folklórica, o sea Sarita. Lo lograba, ella se
enteraba de la apuesta y se vengaba. Y él comprendía tarde que la amaba de
verdad. El argumento era muy siglo XIX, pero transcurría en una Barcelona de lo
más psicodélica. Y el choque argumento/ambiente la hacía inolvidable.
Esta Cartas de amor de una monja fue una de las
muchas películas que se basaban en (o en los alrededores de) unas cartas supuestamente
escritas por una monja de clausura, una tal Mariana Alcoforado que vivió en
Portugal entre 1640 y 1723. Digo supuestamente porque ahora se asevera que en
realidad las escribió un autor de ficciones de esas épocas.
En los títulos de apertura de la película, cuando llegamos
a los responsables de la escritura se nos dice: argumento y guion de Gemma
Arquer y Jordi Grau, basado en hechos históricos de los siglos XVI y XVII, con
textos de Teresa de Jesús, Juan de la Cruz, Diderot y “Mariana de Alcoforado”
(El encomillado es original, no es mío)
Y cuando está por comenzar la historia, un cartel nos
informa: “1640 en una España donde la Inquisición imponía, casi a la fuerza, la
ley de Dios…”
Y así tenemos todos los elementos constitutivos de este
drama romántico: uno, monjitas sin vocación (por entonces las familias ricas
encerraban en conventos a las hijas que no podían casar bien para sobornar a
los poderes divinos (tenían a alguien rezando en continuidad para garantizarles
impunidad por sus pecados) y para tener una pata en una institución (la
Iglesia) que era muy poderosa y determinante); dos, la Inquisición con su
fanatismo irreductible; y tres, pecaminosos amores clandestinos.
El director y guionista, Jorge Grau (Jordi, para los
amigos) como hace constar en los créditos mezcla autores que le garanticen un
entramado exquisito, elocuente y poético. Los protagonistas, sobre todo Gadé y
Alcón son sibaritas de la palabra y hacen gozar con su amor por ellas.
Y la trama le permite exploitation, en este caso, monjitas
que se desnudan en ataques dignos para un exorcismo (tanto que una hasta
pretende masturbarse con un crucifijo), lesbianismo, e incluso un intento de
violación (aparte de una Gadé, que toma sol, desnuda, en los tejados)
Al igual que en Tuset Street, la cruza de elementos
incongruentes se destaca. Aquí textos lustrosos, actores prestigiosos y
erotismo libidinoso y lascivo. Es como una película con Isabel Sarli, dirigida
por Armando Bo, con guion de Albert Camus y Simone de Beauvoir.
De todos modos, valió la pena esperarla, a pesar de la
mezcla de lo excelso y lo escatológico (o más bien, gracias a ella)
Dios los cría (1991), la última
película de Fernando Ayala, al contrario de las cartas monjiles de Jorge Grau
era una figurita fácil del álbum. Es tan accesible que hasta está en YouTube.
Su peculiaridad radica en que supuestamente es una película
LGBT homofóbica. ¿Es así? En mi modesta opinión, francamente no.
Mirna (Soledad Silveyra) con su hijo de 10 años, Quique
(Mauricio Bruno) conocen en la sala de espera de un dentista a Ángel (Hugo
Soto) y a su madre, Adela (China Zorrilla). Todos congenian y Mirna y Ángel se
hacen amigos. Los dos ocultan sus historias. Mirna es prostituta que trabaja en
un sauna y Ángel es un gay enclosetado, que trabaja en un banco.
El guion es del propio Ayala y de Ricardo Talesnik. Los dos
han desnudado prejuicios e hipocresías sociales que encadenan.
Dice Wikipedia: Hasta entonces el cine argentino solo
había mostrado personas homosexuales sin mostrar su vida social, pero en esta
obra se muestra «un sentido de comunidad LGBTIQ como nunca antes se había
visto».
Y es precisamente esta representación de la vida social gay
la que le trajo a la película su fama de homofóbica. En un artículo de 2016 del
suplemento Soy de Página 12 sobre “Las más homofóbicas del cine nacional”, se
incluye a esta película porque “En esta película, aunque se quiere construir
una familia extraña, el personaje de Hugo Soto hace de un tipo con doble vida,
que implica escapadas montada a una disco gay representada desde una modernidad
perimida que parecía importar el estilo de falso drag de Tootsie para
mezclarlo con cotillón vencido de fiesta de quince que intenta pasar por sexo
fuerte.”
Pero años más tarde, en 2021, el mismo autor del artículo
citado, a propósito de la aparición de la autobiografía (Fabricante de sueños)
del socio de toda la vida de Fernando Ayala, Héctor Olivera, rescata a Dios
los cría y dice: “Pero Dios los cría (1991), la última película
de Ayala, quien murió en 1997, significó una suerte de testamento queer.
Infravalorada en su momento, incluso Olivera en esta autobiografía no solo no
le da mucha importancia, sino que hasta la trata de transnochada. Sin embargo,
con un guion basado en un caso real leído por Olivera, la película retrata los
hábitos de un personaje homosexual interpretado por Hugo Soto, que se monta
para salir y frecuenta una disco muy queer. Hasta ese momento el cine argentino
había hecho representaciones de homosexuales en pareja entre cuatro paredes,
sin vida social. Tan pionera como otras de sus películas, Ayala-Olivera crearon
un sentido de comunidad LGBTIQ como nunca antes se había visto. Además, el
personaje gay terminaba haciendo una alianza con una madre prostituta,
interpretada por Soledad Silveyra, formando una familia con su hijo. Por
supuesto hay también mucho camp en Dios los cría, empezando por la presencia de
China Zorrilla. En el momento del estreno de esa película, a inicios de los 90,
a la Comunidad Homosexual Argentina le había sido negada la personería
jurídica, y aún no existía la Marcha del Orgullo en Buenos Aires. Hoy esa
película sigue olvidada como muchos de los gestos de avanzada de las
producciones de Aries. Esperemos que esta biografía de Olivera ayude a rescatar
una cultura queer que en muchos casos hizo historia y hasta aún desafía al presente.”
Dios los cría en el momento de su
estreno tuvo malas críticas (destruir es fácil y si incomoda, más fácil
todavía) y se distribuyó poco, se la pasó rápidamente a video, que la difundió
mejor. Vista hoy no levanta una ceja, las familias disidentes son una realidad,
en 1991 proponer una era una osadía. Aunque sea solo por eso, debe respetársela
y redescubrirla. Y entre sus logros indiscutibles, no es menor disfrutar del
juego de comedia de una inspirada China Zorrilla.
Estas dos películas más que pertenecer a la sección de
“Programa doble” deberían inaugurar una sección propia que se debería llamar
“Las que ya tendría que haber visto” Es un título un poco largo, pero lo estoy
considerando.
Gustavo Monteros